Isabel Garmon es una pintora nacida en Zaragoza que llena sus obras de luz y color. Con un estilo tradicional y realista hace que las miradas de sus personajes conecten directamente con el espectador.

Isabel  se graduó en diseño gráfico pero, después de terminar sus estudios, se dio cuenta de que lo que realmente quería hacer era ilustración, así que decidió mudarse a Madrid para inscribirse en la Escuela Superior de Dibujo (Esdip). Una vez allí conoció a dos pintores famosos con los que estudió mano a mano en sus ateliers y que le llevó a enamorarse de la disciplina académica. Después de un tiempo, Isabel quiso realizar uno de sus sueños, que era inscribirse en la prestigiosa Academia de Artes de Florencia. Ganar dos veces la beca de la Fundación Greenshields, le permitió permanecer en esa academia durante casi dos años.

Hoy, en este programa de mi podcast sobre creatividad e ilustración, hablamos sobre la disciplina académica, trabajar al natural, la psicología del color o la influencia del arte clásico en la actualidad.

Cuéntame un poquito cómo empezaste a interesarte por la pintura y, además, cómo decidiste dar el salto profesional.

Dibujaba de pequeña, como la gran mayoría. Y bueno, hubo un momento en el cual me desvinculé por completo de las artes. Podríamos decir que, de los 12 años a los veintitantos no me interesaba para nada el arte. Curiosamente, el destino, el universo, los dioses… como queramos llamarlo, me dirigieron rumbo a la Escuela de Artes a realizar mis estudios de diseño gráfico.

Fue en ese momento cuando se despertó el amor por el dibujo que andaba dormido en mí y empecé a explorar de nuevo el mundo de posibilidades que te da el arte y la disciplina artística.

Suena genial. Todas esas energías y esos dioses que te dirigieron hacia el arte como camino. La verdad es que creo que hicieron un buen trabajo. Cuéntanos un poquito sobre esa evolución… cómo comienzas a estudiar Diseño Gráfico en la Escuela de Artes de Zaragoza, después te vas a Madrid y después te becan para ir a la Florence Academy of Arts. ¿Cómo ha sido todo este aprendizaje?

Ha sido realmente apasionante. El diseño gráfico me lleva a Madrid porque me quiero dedicar a la ilustración. Veo que el dibujo es lo que me hace palpitar el corazón y busco en Madrid una escuela potente como la Escuela Superior de Dibujo Profesional. Me meto a hacer un curso de tres años y es ahí donde descubro a mi gran maestra de pintura.

Descubro la formación académica, el dibujo y la pintura del natural con modelos y paso de la ilustración al enfoque académico que es, podríamos decir, el más cercano a la pintura tradicional. Cuando llego a ese punto de mi vida, descubro realmente lo que me quiero dedicar… a lo que quiero dedicar el resto de mis días de existencia. La pintura me abre un mundo de posibilidades y me llena tantísimo que me doy cuenta en ese momento que quiero ser eso.

Quiero ser pintora y dedicarme a pintar. Continuo en Madrid y termino mis estudios, pero yo tenía en mente que quería ir a Florencia porque me habían hablado de una academia muy potente que había ahí. Yo había tenido mi formación con dos pintores en Madrid, Amaya Gúrpide y Jordan Sokol, pero notaba que me faltaba algo más y el gran sueño era ir a Florencia e ingresar en esta academia. Es una academia un poco cara, he decir que no es para todos los bolsillos, ir ahí era como un sueño.

Yo siempre he pensado que los sueños se pueden hacer realidad, simplemente hay que ir a por ellos y marcar la estrategia para conseguirlos. Entonces me moví mucho, hasta lancé un crowdfunding y empecé a ahorrar. Pero lo que me hizo poder ir a Florencia fue una beca que gané de la Greenshields Foundation, una fundación de Canadá que daba dinero a artistas para formarse dentro de una línea académica o tradicional. Y es que, entre unas cosas y otras, conseguí reunir el dinero y marcharme a Florencia.

Y en Florencia, al cabo de un año, vuelvo a poder solicitar una segunda beca en la fundación y me la vuelven a dar, lo cual me ayuda a mantenerme un poco más de tiempo allí. Poco después vuelvo a Madrid, con más conocimientos y unas ideas más ordenadas en cuanto a la técnica.

Vuelvo a Madrid y abro estudio con alumnos propios al mismo tiempo que doy clases en la Escuela de Dibujo Profesional. Después de un tiempo vuelvo a Zaragoza porque quiero ir a un sitio un poco más tranquilo, un sitio que me da un poco más de inspiración.

En concreto, te gusta mucho realizar retratos y trabajar la figura humana. ¿Qué es lo que más te atrae de todo esto?

Somos personas, somos seres humanos, y a mí lo que me gusta es pintar a nuestra especie. No me gusta pintar cualquier cosa, pero pintar la naturaleza humana me encanta.

Cada vez que pinto me acerco un poco más al entendimiento de nuestra especie. Digamos que pinto la figura humana, pero al final considero que es como un vehículo para poder hablar de mis inquietudes y hablar de aquello que me emociona y aquello por lo que siento devoción, intriga, amor, placer… lo que sea.

Me gusta también que el espectador pueda jugar un poco con la visión que le planteo de estos humanos o estos humanoides que creo para mí.

Me parece fascinante el mundo del color, el mundo de los sueños. Pienso mucho en la energía que desprenden los cuerpos que rodea el ambiente, las partículas que componen esa energía y están flotando. Entonces quiero hablar de todo ello en mis pinturas y en mis dibujos también. Y quiero, quiero ofrecer una impresión de este mundo de colores y formas que vivo y experimento y lo quiero compartir con el resto. El color para mí es algo fundamental.

«El mundo es de color. Me parece muy divertido que el mundo sea de color. Pienso siempre en aquello que me resulta más divertido y emocionante.»

La escala de grises también me resulta muy atractiva. De hecho, cuando trabajo dibujo funciona en escala de grises. Y bueno, ahí hay un juego con el factor del contraste a través del blanco y el negro. Pero cuando nos metemos en pintura, el color es algo que me define mucho.

Considero que los colores son capaces de transmitir emociones porque tenemos asociados adjetivos y definiciones y sentimientos para cada color. ¿Y entonces? El color es un gran estímulo para el que mira la pieza. Para mí, como creadora es un gran estímulo también porque me fascina como de un color plano, que es el del lienzo, pues de repente hay un mundo lleno de formas a veces abstractas, otras veces concretas, donde el color o cada pieza está diseñada con un color y vibración.

Desde luego, el color tiene mucho peso en un trabajo artístico. Además, algo muy curioso de todos los proyectos es que varía mucho de colores entre tus diferentes trabajos. No solo es usar las mismas gamas de color, como suelen hacer otros artistas.

Me encanta que me digas eso porque es cierto. Yo podría definir mi obra como que es una obra un poco etérea, llena de color y buscando también cómo trabajar con la impresión y la abstracción de la forma. Pero digamos en mis piezas… yo siempre digo de forma coloquial de su padre y de su madre, es decir, cada pieza hay algo que la hace diferente del resto.

Creo que se puede sentir que están hechas por mí, pero cada pieza cuenta una historia. Y no porque esté concebida la obra para contar una historia concreta, sino porque cada obra está realizada en un momento distinto.

Abordo cada obra de una manera distinta y por cada pieza quiero ir en busca de algo diferente, porque tengo mucha curiosidad por probar cosas nuevas constantemente. Por cada pieza que hago pienso de qué manera la quiero trabajar y pienso en la combinación de colores, aunque no siempre es así y a veces la idea puede cambiar.

Claro. Además, imagino que una vez metida en materia puede llegar a variar la idea.

Hay veces que cuando inicias el proyecto se mantiene de forma muy constante hasta el final, pero hay muchísimas otras veces que no. Porque yo siempre digo que la obra habla y tú estableces una conexión con la pieza… Hay un diálogo y la obra te va diciendo cosas. Entonces nosotros tenemos que estar atentos para poder escucharla y compenderla.

Además, a los artistas suele pasar que entre que sois muy críticos con vuestro trabajo y decidir cuál es esa pincelada final es algo que os resulta bastante complicado.

Es clave lo que dices porque a veces somos muy obsesivos. Yo creo que todos los artistas lo somos. Tenemos un carácter que si fuéramos analizados por un psiquiatra o un psicólogo encontraría cosas un poco turbias y perturbadoras incluso. Pero sí, efectivamente, ese momento cuando termina, podríamos hacer un discurso muy largo. Pero yo tengo dos enfoques.

Por un lado, la obra termina en el espectador y cada espectador tiene una experiencia distinta de la pieza y luego aparte, cuando tú como autor de la obra decides que ha llegado a su final. Porque lo decides, no porque tenga un final. Tú lo decides porque las obras podrían ser interminables, siempre hay algo que hacer, siempre hay algo que retocar. Siempre hay algo que poder añadir y que pueda darle un enfoque más completo. Entonces llega un momento que tú tienes que parar.

Cada vez estoy más enfocada en que me moleste menos que haya algo que no está terminado del todo. Es decir, que yo consiga estar satisfecha antes para que los trabajos no se alarguen en el tiempo y no pierdan ese carácter ligero y espontáneo.

Me gusta mucho leer a Sorolla y en una cita reciente que leí de él hablaba sobre el retrato y decía que el retrato tenía que ser pintado de una vez, que hiciéramos los estudios previos oportunos, pero que el dibujo o la pintura con el modelo tenía que ser hecho de vez, porque el retrato tenía que ofrecer una frescura y una ligereza que es sólo ejecutado de una vez.

Desde que estuve en Florencia es algo que me obsesiona: mantener la frescura en la obra.

Hablemos un poco sobre referencias y cosas que te inspiran. ¿Puede que quizás se note un toque clásico en tus obras? 

Siento un gran respeto y admiración por los autores del barroco. A partir de Caravaggio (aunque no considero una inspiración para mí), que cambió el rumbo de la historia, del arte y de la pintura.

A mí Velázquez, Rubens, Rembrandt… Podríamos decir que son las personas en las que más pienso de esa época, porque yo enlazo siempre Velázquez con Sorolla. Sorolla amaba a Velázquez, era su pintor favorito.

Velázquez consigue reunir en su pintura las claves de, valga la redundancia, la pintura. Para mí, es de los primeros impresionistas de la historia. Es capaz de hablarte de luz, de forma, de profundidad y perspectiva, de volumen… de una forma tan sencilla… sencilla, porque no emplea mucha cantidad de pintura, porque las formas son simples. Los juegos tonales también son simples, o sea, todo es simple porque buscaba resumir al máximo.

En mi mente están continuamente Velázquez y Sorolla. Y también me fascinó cuando descubrí el impresionismo italiano.

Ahora estamos en tu taller y podemos ver bocetos, obras a grafito, otras obras que están en proceso, otras terminadas. No sé si nos puedes contar un poco como abordas un nuevo proyecto, desde la idea hasta hasta el trabajo final.

Hay varios varios enfoques o tipos de enfoque.

Uno sería en el cual yo deseo crear una obra planificada y donde yo pienso sobre qué quiero hablar en cuanto a escena, no en cuanto a simbología. Escojo las formas, los protagonistas, qué elementos quiero depositar dentro de la obra… Y hago ese esbozo sobre un papel, pequeños esquemas donde distribuir los elementos que estoy imaginando… realizo varios bocetos, estudios específicos de elementos y pruebas de color hasta pasar a la ejecución de la obra final, que generalmente trabajo siempre en lienzo.

Otras veces simplemente es pintar. Tienes una referencia, un modelo, creas una escena y a partir de esa escena tú pintas directamente sobre el lienzo. Siempre quiero y me gusta trabajar con modelos del natural. Creas la escena con el modelo y pintas directamente sobre el lienzo sin estudios ni nada, simplemente utilizando la emoción de pintar.

En septiembre del año pasado participaste en Festival Asalto, que es uno de los festivales internacionales más reconocidos a nivel mural. Existe una intervención artística de mujeres, las paredes de una caseta. No sé qué tal dormiste anoche porque, claro, todos los ciudadanos podían pasar y verte trabajar en vivo, había un plazo limitado… ¿cómo se pasa la noche de antes de la noche anterior?

Yo dormí muy bien. Lo que me dio un poco de cague fue cuando me hicieron la propuesta. Porque yo nunca había pintado sobre muros ni en gran formato, gran formato.

Fue curioso porque cuando yo había ideado un diseño y cuando volví a la caseta el día anterior, había unos elementos en la caseta que me entorpecían el diseño y entonces, esa noche, cambié el diseño que había estado trabajando los días anteriores y tomé la primera idea que tuve.

Sobre lo que he explicado antes de las dos tratamientos son las dos vías para pintar que tengo, pues en ese proyecto del Festival Asalto se gestó la primera planificada, pero cambié en el último momento y me fui a por la improvisada.

Fue una experiencia chulísima y repetiría de cabeza.

Dirías que las redes sociales te ayudan a dar a conocer tu trabajo y llegar a más gente?

Obviamente las redes sociales ayudan. Sí que me gustaría que fueran más potentes, por lo menos en mi caso. Me encantaría que alguien me llevara esas cosas porque tienes que estar muy volcado. Yo estoy presente y me promociono… pero quizás haría falta un plus. Pero si que me han venido bastantes alumnos a través de las redes sociales.

Pero luego algo muy importante también es el boca a boca. Yo lo tengo clarísimo. Y dejarte ver.

Bueno, no sé si nos puedes contar un poco sobre próximos proyectos o algún sueño futuro que tengas a la vista.

Tengo sueños futuros pero no se pueden contar. Están ahí gestándose, pero son muy emocionantes. Hay uno en concreto que estoy súper ilusionada. Y cuando llegue el momento podré rebelar.

Y luego realmente dedico mi alma  a sacar proyectos personales que voy moviendo a través de concursos y demás.

Hasta aquí la entrevista a Isabel Garmon. Puedes seguir su trabajo a través de su web o instagram.

¡Nos vemos pronto con una nueva entrevista creativa! ¿Te gusta mi podcast?  No dudes en compartirlo en tus redes sociales. También, me ayuda si me dejas un comentario y lo sigues en Ivoox o Spotify, porque así me ayudas a tener más visibilidad y a llegar a más gente.  

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